我一直都觉得自己看书速度很快，虽然不说一目十行，一目三行大约是可以做到的。但是读这本傅雷先生的译作《艺术哲学》的时候，看的真是慢极了。一字一句，眼睛都舍不得离开。真的是字字珠玑，句句珠玉。

大约我是学习美术的关系，每次书里写到丹纳描述一件具体的艺术作品的时候，都忍不住反复把文字图片对照很久，以揣摩文字的汉字，艺术品的表现和译者的理解。是的，看这本书的时候，不光是读者和作者丹纳的对话，旁边更是有一个傅雷先生，在你身边替你讲解，把这些艺术流派，风格娓娓道来。

这套《艺术哲学》分为五个部分，分别是《艺术品的本质及其产生》《意大利文艺复兴期的绘画》《尼德兰的绘画》《希腊的雕塑》《艺术中的理想》，。这五本书基本上把艺术的基础流派全部都归纳的整整齐齐。这套书本是伊波利特阿德尔夫丹纳的艺术哲学课的内容，归纳成册，便是极好的艺术史和艺术评论。

丹纳，法国文艺理论家和史学家，历史文化学派的奠基者和领袖人物，实证主义的杰出代表。曾任巴黎美术学校美术史和美学教授，他的艺术哲学对19世纪的文艺研究产生了深远的影响。

傅雷，翻译家、作家、教育家、美术评论家，中国民主促进会的重要缔造者之一。 早年留学法国巴黎大学。他翻译了大量的法文作品，其中包括巴尔扎克、罗曼·罗兰、伏尔泰等名家著作，这套丹纳的《艺术哲学》经傅雷先生翻译之后，再也没有其他的译本了。翻译水平之高，至今无人能出其右。

这套书的第一册，或者说首先看的应该是《艺术品的本质及其产生》。

丹纳首先阐述了一个可以说是全书最重要的观点。当我们看一件艺术品的时候，常常是单独的去欣赏。比如达芬奇的《蒙娜丽莎》，莫奈的《莲花》等等。我们往往会惊叹这些艺术品的美丽和艺术家的天才。但是丹纳让我们把眼界打开，让我们看到和这些著名的艺术家同期的那些并不太为人所知的艺术家们，你会发现他们的艺术风格会出现惊人的一致性。而你熟悉的那些天才们只是其中成就最高的那一个。

这就带来了一个理论。对于艺术品，我们可以不止欣赏艺术品本身。眼光放到这件艺术品产生的年代和周围的环境，就会发现这件举世闻名的艺术品出现简直是必然的。它是一个时代的产物，并不是艺术家偶然的灵光一现。

气候、农业都可能会影响艺术品的风格。因为艺术品最终是由这些农产品养活的艺术家们创造的。他们靠自然环境为生，收到了大地的滋养，反刍了文化，并且由一群这样的人奠定了这个时期的艺术风格，并流传到了后世。

艺术品的本质又是什么呢？

当事物的某一个特征打动了人们，人们想把它记录下来。但是这种打动人的特征可能是辅助于事物存在的。于是艺术家们会加强这种特质而成为艺术。

所以我们看中世纪的一些绘画的时候，会很郁闷怎么那时候的女人都长的如此的丰腴。而这正是说明那时候的丰腴是美的，经过了艺术家们的放大滤镜。变成了一种基于事实的但是高于事实的美感。

看完第一本已经对丹纳像手术刀一般剖析艺术品的理论折服了。他把艺术和科学理论一结合，虚无缥缈的艺术变成了一种可以够得到的实质的学科。而傅雷先生信达雅的文字又给这种理论增加了一种古典的美感。虽然几乎是纯理论的书。但是学美术的我看的真是如痴如醉。

第二本我看的是《希腊的雕塑》

为什么先看这本，因为我在各大艺术品中对雕塑还是情有独钟。尤其是雕塑的始祖，希腊风格的雕塑。希腊美学可以说奠定了后世的审美，是一切美学的基石。美术生都对希腊的雕塑特别有情节，是因为从开始学素描，希腊的雕塑风格就已经开始刻画在美术生的血液中中。

希腊的雕塑是以健美，裸体著名的。每一个雕塑的人体都几乎是完美无缺的个体。他们无惧于裸露身体。每一个身体部位都一视同仁。丹纳没有从雕塑本身来阐述美学。他从希腊的地理位置，历史风俗才阐述了希腊雕塑形成的原因。

希腊因为是靠近海的关系，风景极美，物产极贫乏。导致了人物的精神食粮远远的大于物质食粮。于是整个民族都呈现出一种艺术的，轻盈的状态之中，仿佛只喝露水的仙人。他们善于学习和计算，追求精神的升华。古希腊的哲学家比其他的民族的哲学家多的多。著名的柏拉图与亚里士多德就诞生于这个时期。

他们的民族精神都聚集在了体育与舞蹈之中。体育锻炼了希腊人的体魄，舞蹈不仅陶冶了他们的情趣，也锻炼了他们的纪律。所以说希腊人是天生的军队。生下来就是为了打仗而存在。著名的斯巴达人就是其中的翘楚，直到罗马人来临。所以希腊的雕塑受到这样的感染，每一件作品都是那么的英武和健美，体态轻盈飘逸，从希腊的雕塑和建筑中能看到早期希腊人的历史和艺术成就。

第三本是《意大利文艺复兴期的绘画》

意大利的文艺复兴是世界艺术史上的一个奇迹。历史和文化在某一个点出现了交汇，诞生了一种战乱与稳定，华丽与奢靡，宗教与言论自由的时期。在这个时期因为封建社会与近代社会相接，于是思想上也出现了极大的一种解放。艺术品虽然也有很多依然是以宗教和神话为题材，却也明显的接地气了很多，神不再高高在上，让人仰视，而更多的出现了脂粉气。

这样的时期，人的创造力的想象力得到了极大的发展，几乎人人都是设计师，艺术家。所以现在的我们惊叹达芬奇不仅仅是一个画家，还是一个机械建造师，设计师等等诸多技能于一身。而达芬奇在那个时期并不是一个特例，这种会十八般技能的人在那时候比比皆是。人人仿佛在这种喷射绽放的时代爆发了无穷的力量，达到了一个人所能做到的极限。

但是历史能带来这种文化爆发，也能带走这种创造力。所以仿佛只经历了灿烂的一代人，这种繁华的文化便趋于枯萎。大师的继任者们都普遍失去了这种力量。想要重现这样的盛世除非这样的历史重现。

第四本选的是《尼德兰的绘画》

说实话，这本描述日耳曼民族美学的部分，我看的并不是太懂。日耳曼民族我们印象中就是德国的严谨，精确。这样的民族似乎与艺术格格不入。然而日耳曼民族曾经出现过十分艺术的一段时期。我们熟悉的伦布朗和维梅尔就是其中的代表。维梅尔代表作《带珍珠耳环的少女》，其中就能看出，尼德兰的美学风格很明显的区别于希腊完美神族艺术和文艺复兴时期的热烈的风格。这一时期的艺术风格更趋向于平民化，探索底层人民的状态。

这种风格和当时的政治文化平民化石分不开的。这个时期的画作颜色阴沉，尤其是伦布朗的画作常常就是黑漆漆的一团，用阴暗的底色来凸显脸部的光。维梅尔的画作更柔和一些，但也是十分的朴素，对细节要求十分的高。从这一点能看出日耳曼民族从古至今的严谨性。

《希腊的雕塑》、《意大利文艺复兴期的绘画》、《尼德兰的绘画》是丹纳为了证明第一本《艺术品的本质及其产生》中的结论而找出的三个著名的绘画风格，无一不是证明了丹纳的论点：艺术品不是孤立的产生，而是伴随着社会的进程与人文的观念。

在最后一本《艺术中的理想》中，丹纳又反复的重复了这个观点。看完这几本书之后，乍然一看，似乎丹纳说的并没有错。但是思及前言之中，傅雷先生的观点：丹纳的研究与理解虽然有他自己的道理，但是丹纳是从社会发展的表面现象来推理了这套理论，他并没有看到社会内在的生产力发展与生产关系的改变。所以得出的结论未免有一些的偏颇，而且采用的论据基本上都是对自己的论点有利的案例。但是在研究上，这一点偏颇并无可厚非。

不得不承认，丹纳的这一套艺术的产生理论是有事实根据的，艺术家也是社会动物，经由社会影响而产生的艺术品不免会收到社会动荡的影响。这套理论实在是艺术生必看的一套佳作。

最让我感动的还是傅雷先生的翻译，不仅流畅而且文辞优美，读起来完全没有外国作品的生涩感。即使是纯理论，也能让人看的津津有味，欲罢不能。这一版的配图也是十分的精美，和文字结合起来看，更能理解画作风格，更能领会文字的意义。